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Palais de Tokyo : l’atelier-musée

Janvier 2002, peu connaissait le Palais de Tokyo, il venait d’abriter le « site de création contemporaine » tel que le qualifient Nicolas Bourriaud et Jérôme Sans (interview) : un objectif « créer un lieu d'expérimentation dans lequel le plus large public pourrait voir la création en train de se faire" mais peu de financement ne bénéficiant que peu des largesses habituelles de l’état.

4 ans, 96 expositions monographiques dont plus de la moitié d'artistes français, 800.000 visiteurs après, les deux fondateurs peuvent être fiers de leur laboratoire quand ils laisseront la place en février au Suisse Marc-Olivier Walher. Bilan artistique plus qu’honorable, bilan économique sain puisque il sort au vert. C’est un lieu nouveau – en France - dans son approche et son mode de fonctionnement qu’ils ont crée. Ouvert de midi à minuit, largement financé en ressources propres via des partenariats. Trop de musées à Paris, "Le problème n'est pas trop de musées ou non, mais quel musée ? » répondent-ils avec le palais de tokyo.

Alors voilà, «Notre histoire...» , titre de leur dernière exposition est « une manière de présenter un rapport d'activité sur notre combat pour l'émergence d'une nouvelle génération d'artistes français » affirment-ils. 29 artistes âgés de 30 à 40 ans de la scène française ou vivant en France, c’est une exposition manière de présenter leur travail et de lancer la voie à de nouvelles recherches. Voir les commentaires du Monde ici et de LR là. TF 1 est partenaire, c’est suffisamment rare pour être remarqué.

histoire caravagesque

Une dépêche de l'AFP fait mention d'une possible découverte de deux toiles du Caravage dans une église en Touraine..."où elles étaient accrochées depuis deux siècles, quasiment invisibles sous une épaisse couche de poussière." Trop beau pour être vrai ? - voir analyse ici

Authentification validée par José Frèches fondateur de Artissimo&Co qui déclare : "Toute une série d'indices techniques ajoutés à la qualité pictorale des oeuvres font que je n'ai aucun problème à affirmer qu'il s'agit d'originaux". Affirmation tout de suite relativisée par Pierre Rosenberg, académicien: "Méfiance (les toiles),ne peuvent pas être autre chose que de bonnes copies. Caravage ne se copiait jamais". Il avait lui même découvert Le Saint Jean-Baptiste dans le désert de Georges de La Tour lors d’une vente de succession. Alors ? qui a raison ? pic et pic et colégramme, bourre et bourre etc... (on parle de 100Millions€ estimé et des réputations respectives d'un ancien conservateur des musées de France et de l'ancien président-directeur du musée du Louvre). Ils ne doivent pas se porter dans leur coeur en tous cas. à suivre..

La dérive du gratuit touche le Fine Art

  Je me suis donné pour règle stricte de ne pas illustrer cet espace avec des reproductions d’œuvres de fine art, photographiques ou picturales. Cherchant ici à faire connaître, défendre et promouvoir les lieux qui les abritent, les musées, galeries et les professions qui en vivent, commissaires, restaurateurs, artistes, je ne cède pas à la tentation de reproduire ce qui peut y être exposé. Je suis chaque jour surpris de voir aussi librement se dupliquer tout type d’œuvres sur internet. Alors que prolifèrent les galeries-virtuelles, les web-art Gallery et tout autre mise à disposition sur internet de reproduction d’œuvres contemporaines, modernes ou anciennes, se pose la question du statut de l’œuvre et de sa libre reproduction sur internet. Les catalogues d’expositions, les monographies, les livres d’art sont conçus pour cela et sont à la vente. Respectons ce travail et cette source de revenus.

C’est pour la même raison que je suis aussi en faveur de l’interdiction de la prise de photographies dans les musées. Le Louvre l’a récemment mise en place alors que c’était un des seuls musées majeurs internationaux qui le permettait encore.

Cette dérive vers une société du tout gratuit – visible très nettement en musique et bientôt en vidéo – touche très fortement le milieu culturel, un des seuls secteurs où le « produit » est unique et donc non reproductible et où sa consommation passe par son exposition au public. Il est prouvé qu’à long terme, c’est toujours au détriment de l’artiste et de sa production.

Ne tuez pas ce que vous aimez

Pièce Unique pour une seule pièce

Après la galerie de 1m2 de Chelsea, voici la galerie Pièce Unique, ouverte il y a déjà quelques années (1988), en dehors du choix de ne montrer qu'une seule oeuvre, la galerie demande aussi aux artistes de créer spécialement un oeuvre pour cet espace qui lui sera dédiée. La fenêtre fait aussi partie de la galerie...

parenthèses et guillemets

J'ouvre une rapide parenthèse. Si l'art et ses succédanées sont faits pour éveiller différemment notre esprit et nos sens, c'est aussi un instrument de réflexion. Mais il n'a pas le monopole de cette capacité et il y a à cet égard certains évènements qu'il ne faut manquer...ce ne sont pas toujours des expos ou des musées! Michel Serres explique dans cette conférence visionnable on line les évolutions induites par les nouvelles technologies...c'est absolument passionant!! Optimiste et réaliste sur les nouveles technologies, Michel Serres met en parallèle "l'externalisation des fonctions cognitives" que réalise la révolution technologiques en cours avec les précédentes externalisations de nos fonctions plus basiques dans l'histoire de l'humanité. mais je ne vais tenter de le résumer...écoutez.

2006 : année cézannienne

L'"année Cézanne" : ce type d’évènement, devenu international, me paraît poser un problème sur le marché des œuvres d’art muséales. Un grand nombre de musées français et étrangers veulent simultanément les œuvres du même artiste, et Cézanne n’est pas duplicable - Mozart, c’est aussi son "année" n’a, bien sûr, pas la même difficulté. Les prêts des œuvres entre musées ne sont pas soumis au rapport offre/demande, c'est davantage un marché de troc qu'on pourrait naïvement résumer à "tu me prêtes tes Cézanne, je te prêtes mes Pollock". Alors cette année, on se les arrache les Cézanne. Qui devient gagnant dans ce genre de jeu et qui en définit les règles?

En France, l'état culturel a choisit le parti pris du retour au source en favorisant la Provence, région de prédilection de Cézanne, (voir NPR comment) et a profité de la réouverture du Musée Granet d’Aix en chantier depuis 4 ans (version définitive qu’en 2007) pour y organiser l'exposition «Cézanne en Provence» de juin à septembre avec plus de 110 huiles et aquarelles prêtées par des musées du monde entier (cézanne-2006).

Mais voilà, cette exposition sera d’abord inaugurée en janvier à la National Gallery of Art de Washington (voir ici ! "Washington est un site cézannien", estime, sans rire, le conservateur des peintures européennes à la NGA. Certes une trentaine de toiles est conservée à Washington (NGA, Collection Phillips, Maison-Blanche), mais leur présence n'est pas due à l'amour de Cézanne pour cette ville mais plutôt au dédain français fin XIX pour les avant-garde, dédain non partagé par les grands collectionneurs issus des fortunes industrielles américaines qui ont acheté une grande quantité d'oeuvres de cette époque (cf P. Durand Ruel). Mais ici surprise supplémentaire, les 2 toiles prêtées par la Maison Blanche ne verront pas les cimaises du Musée Granet, la présidence refuse qu’elles quittent Washington...

Par ailleurs, Orsay ne pouvait rester de marbre et organise de février à mai l'exposition «Cézanne et Pissarro 1865-1885», en partenariat avec le MOMA (été 2005) et le Los Angeles County Museum of Art, (expo en cours), deux autres villes sans doute aussi très cézanniennes. Je ne sais pas si Orsay aura prêté ses toiles à Granet…

Donc les expos voyagent, deviennent co-organisées par les commissaires issus de multiples musées, bref la mondialisation des expos est en marche. Reste une question, une exposition ne se résume pas à l'accrochage d'oeuvres, le public a-t-il des goûts uniformes quelque soit sa nationalité, sa culture? Cela ne tend-il pas à une uniformisation des approches muséales et des goûts ?

Cour de jouvence au Louvre

Au chapitre des initiatives muséales ayant pour but de relier les noeuds avec le public, le Louvre ne manque pas d'idées pour séduire le public jeune, cet éléphant des musées internationaux a quitté son cimetière à grand pas depuis mi 2004, preuves en sont les expériences telles que "Duo éphémère" qui réunit à l'auditorium la scène de musique électro française avec les films muets du début du siècle (?), les nocturnes du vendredi soir, gratuites pour les moins de 26 ans ou la gratuité permanente pour les moins de 18 ans. Bref le Louvre se dysneylandise en visant les jeunes sachant qu'ils viennent avec leurs parents. D'aucuns affirment que Proust ne se lit qu'avant 20 ans ou jamais, en serait-il de même pour la découverte de la peinture siennoise du XV...?

Ramenez le public jeune ou pas dans les musées, c'est nécessaire (1/3 des entrées au Louvre sont gratuites), financer son budget de fonctionnement aussi. Le Louvre dépense au total 140 Millions d'euros par an, dont les 2/3 sont des subventions de l'état, juste à titre de comparaison la National Gallery se finance à 50% sur ses recettes propres.

Actif de conservateur subversif

Pour approfondir le précédent post, je viens saluer un personnage qui s’est fait expert dans l’agrémentation des art-d’œuvres, parmi d'autres qualités. Conservateur, pourtant loin de mettre l’art en conserve, visiblement très doué pour ré-enchanter notre façon de « consommer » l’art, Gérard Régnier, alias Jean Clair, déniche les œuvres d’art comme d’autres débouchent les bonnes bouteilles, sait de plus trouver les bons crus et les accompagner d’une présentation originale et à leur hauteur. C’est donc ce vénérable Monsieur de 65 ans qui est à l’origine de « Mélancolie » au Grand Palais – très bien commentée ici et là – sur laquelle il travaillait depuis 1993, suite ou prolongement de l’exposition "L'âme au corps" de 93, qui mélangeait l'anatomie à la découverte de l'inconscient (le fameux boulon  a sournoisement tué trop tôt cette exposition). Convaincu des liens étroits entre l’art et les sciences, son approche n’est pourtant pas scientifique lorsqu’il rapproche des œuvres sur un thème transversal plutôt que de les classer suivant l’ordre du temps, une approche même ludique avec le cabinet de curiosités de "Mélancolie" qui a rencontré un franc succès.

Ancien élève d'André Chastel et étudiant d'Harvard, Jean Clair a écrit une trentaine d'ouvrages sur l'art, la philosophie, et la psychanalyse, il est aussi le fondateur des Cahiers du Musée d'Art Moderne, il était directeur du Musée Picasso jusqu’en octobre dernier. (Je précise, Monsieur Jean Clair profite encore de sa belle vie). « Conservateur, c'est le dernier métier aristocratique qui reste dans ce monde moderne", ne lui coupez pas la tête, merci. Textes de Jean Clair,ici et là

Le goût des autres - Mélancolie

L'exposition au Grand Palais "Mélancolie" se termine demain. Visiblement un succès avec 300 000 visiteurs. Le Grand Palais ré-ouvrait ses portes, ceci aidant cela. Mais il faut aussi relever que c'est le nouveau succès d'une exposition à thème - la mélancolie. "Les origines de l'abstraction" au musée d'Orsay en 2003 avait déjà, en France, prouvé la pertinence d'une approche thématique. Car plutôt qu'une exposition choisissant d'aborder une monographie, une époque ou un mouvement en particulier, une approche transversale et se focalisant sur un seul thème est peut être plus proche du ressenti du public et de son besoin. Certains pousseraient même à dire que seuls les historiens d'art et les commissaires d'expo bénéficient d'une vision vraiment historique, et se situent plus du côté de l'histoire de l'art que de celui des goûts du public. L'approche en historien de l'art de la plupart des expositions et des accrochages reproduit en effet celui de la spécialisation des connaissances de ceux qui ont la charge de leur organisation, les commissaires.

Parallèlement et si l'on transpose ce type d'approche par thème aux collections permanentes, pourrait-on imaginer des musées artistiques par thème, comme il en existe dans les musées historiques (musée de l'homme) ? Sans abonder dans un sens ou dans l'autre, il serait intéressant de savoir ce qu'auraient voulu les artistes eux-mêmes - rêve utopique- dans la présentation de leurs oeuvres au public.

Chiffres de précédentes expositions : Renoir (1985) : 790 000, Toulouse Lautrec (1992) : 654 000

Small is beautiful

La plus petite galerie de New York The Wrong Gallery situé à Chelsea, 1m2 de surface, a été transférée au Tate pour cause de démolition de l'immeuble qui l'abritait. Ouverte en 2002 à l'Initiative de Maurizzio Cattelan, Ali Subotnik et Massimiliano Gioni, la galerie avait présenté plus de 40 artistes.